Hace ya algún tiempo descubrí que mi forma de ver la fotografía se tornaba en algo particular, sobretodo en un mundo de fotógrafos cuya tendencia deriva cada vez con más fuerza hacia el mundo gráfico, ya sea por gustos personales o por exigencias de su mercado. Yo definitivamente no me englobaría en este grupo y me definiría como un fotógrafo eminentemente técnico, muy centrado en buscar la luz, que creo merece o requiere cada trabajo en particular, en lugar de crearla en postproceso, y es porque sigo pensado que la luz es la esencia y el reto de cada fotografía, ya que me inclino antes por la sobriedad de una mirada nítida, que por la agresividad confusa de una máscara de enfoque.

Por supuesto, estoy a favor de cualquier herramienta que permita enriquecer el resultado final de una fotografía. Seamos francos, un buen retoque aumenta el impacto visual de una imagen, pero solo si esta es buena técnicamente en origen y claro, si el retoque es de calidad. Así que creo que no debemos descuidar nuestra técnica en el momento de hacer una fotografía a favor de lo que podemos llegar a crear o hacer en postproceso. Soy de los que piensan, que los fotógrafos debemos pensar en términos de técnica, que no es otra cosa que entender la luz y el porqué de un composición concreta, ya que ese es el primer paso para la creatividad. Estoy convencido que si nos dejamos llevar por la dependencia de lo que podemos hacer en el postproceso, seguro que eso nos genera más problemas que ventajas. En definitiva, creo que si una fotografía es técnicamente mala, lo único que podrá hacer ese postproceso o retoque es intentar salvarla, lo que tiene muchos matices…, pero si es técnicamente buena, tanto en luz como en composición, seguro que el retoque la enriquece, eso sí lo necesita para ser comercial, claro.

Para mí la premisa es crear imágenes que por sí solas nos sigan transmitiendo sentimientos y emociones, por su luz y composición… y no hago mis fotografías pensando en el retoque que pueda llegar a hacerles, sino en su luz y composición, aunque para muchos, priorizar de esa manera pueda dar lugar a pensar que desdeño el retoque, no es así… hay que ser consciente que descartar el postproceso o retoque seria, hoy en día, marginarse peligrosamente del mercado profesional. Simplemente lucho por buscar el equilibrio… sé que es una línea delicada en los tiempos que corren y que parece imposible no cruzarla cayendo a la dependencia del postproceso, pero pienso que los fotógrafos debemos intentar no caer en ello y mejorar nuestra técnica fotográfica así como utilizar el postproceso como una herramienta más y no la principal…

Como ya comentaba y porque creo, que para un fotógrafo lo fundamental es entender la luz y el porqué de buscar una composición concreta…, y motivado por algunos comentarios que leía en foros de internet e incluso entre compañeros de profesión, pensé que quizás sería interesante explicar algunos conceptos técnicos fundamentales a todos aquellos que se inician en este mundo por puro placer, algo que durante muchos años los profesionales preferían no hacer y mantenían su “técnica” como casi un secreto de estado, cosa que nunca he entendido, ya que siempre he pensado que si solo un fotógrafo conoce una técnica determinada, probablemente esa sea incorrecta y fruto de la casualidad… Para evolucionar en técnica es imprescindible recibir opiniones sobre ella y descubrir sus inconvenientes… Así que, por todo eso, empecé escribiendo algunos artículos sencillos sobre el uso del flash externo, como medir una escena, como enfocar, que es eso de la composición y otros aspectos que creo son fundamentales para iniciarse en fotografía… No lo esperaba, pero desencadeno una oleada de mensajes tanto privados como públicos, con dudas y nuevas preguntas sobre fotografía que propiciaban nuevos artículos. Me hizo pensar si realmente los que empiezan en la fotografía tienen los conceptos básicos claros, y la respuesta parecía ser que no del todo…, supongo que todo es fruto de la aparición de la fotografía digital y la posibilidad de la revisión inmediata de fotografía dando como resultado que se arrincone la técnica básica, ya que parece se ha instaurado como procedimiento fotográfico el prueba y error, tanto para aficionados como para nuevos profesionales, “veo la foto y si no me gusta o no está bien expuesta vuelvo a hacerla”, descuidando o ignorando la técnica y dejando la solución para el postproceso, cosa que genera nuevos y peores problemas, bajo mi punto de vista…

Luego me quede con ganas de explicar más cosas, quizás por la necesidad de seguir evolucionando personalmente y pensé que podía sería interesante crear talleres donde explicar a los aficionados, sin o con aspiraciones profesionales, o incluso a profesionales  que querían tener otra visión o simplemente repasar algunos conceptos, explicar que es esto de la luz… así que el primer taller que me plantee, fue el de iluminación en estudio con modelos, algo a lo que estoy acostumbrado por el tipo de fotografía que realizo profesionalmente y que pienso, es una base solida para entender la luz en un entorno controlado…, pues bueno, de este taller llevo ya más de 25 ediciones en un año y medio de la mano de canonistas.com y repartidos en diferentes ciudades: Barcelona, Madrid, Valencia, Bilbao y Sevilla (y por supuesto abiertos a otras ciudades), al margen que hemos preparado talleres para asociaciones fotográficas de todo el país durante los meses de verano…, Ya puestos, me gustaría aclarar un tema, los talleres que imparto en Canonistas están abiertos a cualquier marca de equipo, que algunos creen que solo son para cámaras Canon… pues no, y decir que he tenido alumnos con equipos Nikon, Olympus, Sony, Pentax e incluso Hasselblad.…

Y hablando un poco más en detalle del taller de Iluminación es estudio, está diseñado para ver de forma teórica y práctica que es eso de la iluminación en estudio, haciendo primero la teoría el viernes por la tarde-noche en un aula y el resto del fin de semana en estudio… por supuesto con modelos y maquilladora/peluquera. Durante las prácticas del fin de semana vamos viendo diferentes esquemas de iluminación, para en definitiva, entender como iluminar, que es de lo que se trata y todo ello sin depender de patrones fijos o esquemas muy trillados que dejan poco margen a la creatividad… empezamos con conceptos muy básicos sobre fotografía en estudio durante la teoría y el primer set practico (como entender la ley inversa), luego vamos complicando progresivamente la iluminación con ejemplos, con el único objetivo que entender la luz y como modificarla para conseguir un resultado concreto, tengo que decir, que además no suelo hacer los mismos ejercicios en cada taller y por supuesto, busca ser muy participativo, incluso aprovechando los tiempos muertos mientras unos asistentes hacen prácticas para resolver dudas generales o particulares de cada ejercicio con el resto de asistentes, ya que para mí, eso es la base para entender como iluminar, el participar planteando las dudas. Paralelamente al de iluminación en estudio también imparto talleres sobre reportaje con modelos en exteriores, desnudo artístico e iluminación avanzada en localizaciones, clases particulares, presentaciones sobre equipos de iluminación Profoto, charlas sobre cómo gestionar modelos y demostraciones de cámaras de medio formato como la Phase One 645DF con el respaldo Leaf Aptus-II 12 de 80MP… vamos de todo un poco, pero centrando en que me gusta explicar y compartir mi experiencia personal.

En cuanto a mi vida como fotógrafo profesional, aunque cada vez le dedico menos tiempo y más a la formación, centro mi actividad, como decía, en la fotografía de retrato, fundamentalmente para moda y cosmética. Uso en la mayoría de casos cámaras réflex de pequeño formato, como la Canon EOS 1Ds Mark III y cuando las necesidades del cliente lo exigen, utilizó cámaras de medio formato como Hasselblad H3D II o la Phase One 645DF… y como equipos de iluminación, decir que se ha convertido en una norma utilizar equipos Profoto (generadores y compactos), tanto en mis sesiones, como en los Workshops y Talleres (para evitar suspicacias, no tengo ninguna comisión con las marcas mencionadas, ya me gustaría… sería muy fácil hablar bien de esos equipos, así que espero propuestas, jejeje…).

Y para finalizar este recorrido a mi forma de ver y hacer, hay una frase célebre que me resulta muy interesante a tener en cuenta en cualquier faceta creativa, y que siempre comento con los asistentes a los talleres, además me he tomado la libertad de adaptarla a la fotografía, dice lo siguiente: “No te puedo dar la clave del éxito en fotografía, pero si la del fracaso, y es: intenta que tus fotografías gusten a todo el mundo… fracasaras”…

Reseña:

“Las fotografías que aparecen, son ejercicios de iluminación realizadas durante los Workshops y Talleres con procesados muy sencillos.”

Fotografías, esquemas y detalle:

Flash frontal y picado que ilumina la cara de la modelo (luz dura). Por detrás de la modelo una plancha de metacrilato translúcido con burbujas, y detrás un flash con un panel de abeja del 5” y un acetato rojo (para hacer mayor el haz de luz roja, podemos jugar o bien con la distancia del flash o con un panel de abeja del 10” o del 20” o bien usar un Snoot “un cono”, si queremos un haz menor

Flash con una Softbox 3/4 y un Strip Mask de 20cm (podemos hacer una Strip Mask casera con planchas de cartón pluma negras para cortar la luz, dejando una línea de luz más o menos ancha en el centro de la Softbox). El flash está en perfil y paralelo al cuerpo del modelo, así como muy cerca, para acentuar la caída de luz. Por encima y por detrás del modelo, en el lado izquierdo un reflector plata pequeño para aumentar el contraste en la cabeza del modelo. Al lado derecho una pantalla negra de cartón pluma para acentuar las sombras evitando que la luz rebote en la pared.